佛拉明哥的音乐灵魂- 吉他

林耕、玛雅编译

吉他（guitar）在欧洲的始祖有曼陀林（MANDOLIN）和古老的鲁特琴（LUTE），如果从民族乐器的角度来看的话，则各民族均有类似的乐器。例如：美国有绷上鼓皮的班卓（BANJO）；俄罗斯有三角形的巴拉来卡（BALALAIKA）；中国有琵琶、三弦、柳和月琴；印度则有西塔（CITAR）；日本有三味机等。 有柄的弹拨乐器在古代早已存在，从公元前三十至二十世纪的近东和古埃及遗迹及雕刻中可以证实。

在东方，中国古代虽有过琴和瑟，但有柄的弹拨乐器基本上是在汉代才从西域传入。因此可以说有柄的乐器是起源于古代印度和埃及。 若要追索现代吉他的起源，便不可不提西班牙这个国家。再十六世纪，西班牙已出现两种弹拨乐器，就是吉他和维乌埃拉（VIHUELA），两者的名称常被混淆使用。据记载，吉他有四组弦线（三组复弦和一组单弦），而维乌埃拉则有六组，体型亦较大，它们皆用有音格的柄，用羊肠线发声。后来，有人发明了五弦吉他，并且逐渐普及，而维乌埃拉却在十七世纪衰落，西班牙吉他（GUITAR EAPANGOLA）的名字也再这时得到确立（今天称为巴洛克吉他）；到了十八世纪，制琴师有在低声部加用了一根弦线和全部使用单弦的样式，从而产生了今日六弦吉他的调弦法。

踏进二十世纪，随着爵士音乐、流行曲的盛行，吉他发展了许多新种类，如钢丝弦吉他（民谣吉他）、电吉他、半声电吉他、低音吉他（贝司）等。其结构和性能与原来的吉他差别很大，连传统的古典吉他亦有所变化，例如采用了尼龙弦代替羊肠弦。 吉他拥有独一无二的音乐力量，不论是流行曲、爵士乐、民谣、古典或诗歌，都有吉他作伴奏或主奏，以发挥不同风格的最佳效果。 吉他的声音划破了音乐的界限，由流行音乐会到吉他独奏会，都扮演着重要的角色。年轻的乐迷迷恋那不驯的节奏，成熟的乐迷则欣赏那份动人温馨的宁静。吉他可以说是最普及的乐器。 从十八世纪末开始，六弦吉他在意大利、法国、西班牙流行起来，并很快深入到家庭音乐中，同时也成了专业用的高难度乐器，很多著名的做曲家如韦伯(Weber)、舒伯特(Schubert)、白僚士(Berlioz)、帕格尼尼(Paganini)都有为吉他创作音乐。可以说这时是吉他音乐的全盛时期。出生于西班牙的索尔(Sor)，以海顿(Haydn)、莫扎特(Mozart)的古典形式结合他的性能写下了不少优秀的作品。他把吉他提升到古典艺术水平。索尔的演奏追求优美典雅的风格。因此他不喜欢用指甲而用指尖肉拨弦，由此产生柔和丰润的声音。跟他同时期的吉他演奏家及作曲家瓜多(Aguado)比较，后者则用指甲演奏，从而产生明朗和宽广的声音。 古典时期吉他音乐人才辈出，以意大利的音乐家最多，其中卡尔卡西(Carcassi)所写的教本至今仍然是学习吉他的必备教材，各位想学吉他的朋友请留意。 由于吉他谱在十六世纪才出现，因此早期的吉他音乐只能依靠一些文字记载来推论，那时吉他的主要用途是为歌唱伴奏。到十八世纪为止，吉他的记谱法与鲁特琴相同，都是使用古记谱法(Tablature)--即用单行线代表弦，在上面记上数字或文字指定音高（与今天的吉他六线谱相若）。

如上所述，十六世纪的西班牙是今天吉他的发源地，那时不少作曲家创作了很多优秀的作品。今天亦保留了多套具代表性的吉他曲集和教材。这些曲集有极为丰富的内容和创意，表现了惊人的技巧和独特的民族风格。可以这样说，十六世纪的西班牙音乐的最高成就在吉他上得以体现。吉他乐是有声的图画，图画是静止的音乐。音乐家控制下的音乐变化，就象画家笔下五彩斑斓的颜色，而图画上颜色的深浅、浓淡又像音乐里的强弱、快慢。没有层次的音乐和没有层次的图画一样，缺乏吸引力。 古典吉他是和声乐器，可以演奏多声部的复调音乐，要表达古典吉他曲的音乐层次，需要非常细致的技术。有几种方法来区分音乐中的层次。 （1） 用音量大小来区分音乐的层次，比如：主旋律部分的音量强一些。伴奏声部中低音稍强一些，分解和弦或持续和弦稍弱一些等等。 （2） 用音色的不同变化来区分音乐的层次，这一点正也是古典吉他的特色。例如：A）主旋律用靠弦奏法。伴奏声部中的低音可选择用拇指的指肚靠弦弹法或指甲靠弦或不靠弦弹法。伴奏声部中的分解和弦可用不靠弦弹法。B）上声部旋律用i、m、a指演奏，下声部旋律用P指演奏，利用P指和i、m、a指不同的拨弦音色来区分声部。C）在一连串的分解和弦中包含着旋律音符的话，那么这旋律音符就要用靠弦法来突出，其他属于分解和弦的音符就可用不靠弦奏法。 大家在弹奏古典吉他时，除了参考谱上标注的左手指法之外，更要详细研究分析曲谱上标注的右手指法，谱上标注的右手指法常常是为了突出音色的层次而设计的，希望大家不要忽略它。 音乐语言和文字言都是一种表达情感的方式和手段，音乐语言同样需要配合乐句的分句来呼吸。吹奏乐必须换气才能连续演奏，因此吹奏乐者都会认真地选择在乐句的分句的地方或称为 地方来换气，才能演奏得自然流畅。弹拨乐演奏者却常常忽略演奏乐曲的呼吸感。以为怎么呼吸都不会影响演奏。我们的许多吉他手更是如此，有时连乐句中各种分句、句逗都分辨不清，那里谈得上用自己的呼吸配合音乐乐句的呼吸呢？所以在演奏一首乐曲之前，必须仔细将曲子的主题、分句、织体、发展、再现等各部分剖析透彻之后，才能开始视奏。当逐步练习到比较熟练之后，就要将自己的呼吸和乐句配合起来。应当意识到并要学会用吉他的声音来表现自己心中的音乐 。

古典吉他上的拨弦位置大致可分为五个区域：（1）铜管音色区：拨弦点在靠近琴码处，音色比较尖锐。（2）木管音色区：在泛音点或泛音点到音孔之间，音色较圆润。（3）弦乐音色区：拨弦点在音孔上方，音色较柔和。（4）弹拨音色区：拨弦点在音孔的右侧附近，音色清晰。（5）混合音色区：在音孔和琴码的中间位置拨弦，音量也是最大、最结实的。 所以演奏古典吉他可以用强弱变化、速度快慢变化、削音、休止以及音色变化等方法来做到乐句的分句对比。拥有变化无穷的音色正是古典吉他最大的、最不容易被其他乐器代替的特点，我们要认真学习，并运用到实践中去。 古典吉他是一种乐器。但它决不是一般的弹拨乐器。它的祖先和前辈如吉他拉、维特拉琴、鲁特琴等等都已经退出了历史舞台或已接近销声匿迹。古典吉他的近亲佛拉门哥吉他虽然拥有象帕高□鲁西亚这样的超级天才大师，但是佛拉门哥吉他并没有达到国际性范围的普及和影响。古典吉他的衍生旁支如拉丁美洲的勒金多吉他、美国的维斯坦吉他和民谣吉他，始终没有摆脱作为伴奏者的从属地位。又如技术高超的爵士匹克吉他、美式指弹吉他也仅仅只能做到在世界某些地区内流行。在摇滚乐中必不可少的电吉他，近几年也有逐渐被电脑音源合成器取代的危险。 古典吉他之所以拥有坚韧的生命力其秘密在于：这么一件轻便的乐器能奏出如此多变的音色、丰富的和弦、复杂的声部以及跨民族的表现能力，特别是从音乐表现能力来说，无论是文艺复兴时期、巴洛克时期，古典时期还是浪漫派、近代派、现代派的音乐，古典吉他都能够诠释自如。无论是日本的古筝，还是中国的琵琶，古典吉他也能模仿得惟妙惟肖。每一个学习古典吉他的人都应当认识到古典吉他生命力的核心就是独特的、变化无穷的音色。 学习古典吉他的关键就是如何去掌握、发出这些音色和控制这些音色的方法。然后再用这些不同色彩的声音来表达自己心中多层次的音乐语言。许多吉他手弹琴发音粗糙，不追求声音的品质，误以为只要弹奏的曲目是古典吉他曲就算是在演奏古典吉他了。举一个简单的例子：有人能唱唱《我的太阳》、《桑塔鲁西亚》并不等于他学会了意大利美声唱法。如果一个人不认真学习美声学派的基本发声方法，那么他将永远是美声唱法的门外汉。 古典吉他可以独奏、重奏、合奏，以及用交响乐队来协奏。古典吉他合奏时，要使用各种声部的吉他，最少应当具备四种：（1）高音吉他；（2）中音吉他（也就是经常使用的标准吉他）；（3）低音吉他；（4）倍低音吉他（又称做吉他隆GUITARRON）。

当然，西班牙的文化亦成为佛拉门哥的元素之一。 十九世纪中叶以后，吉他音乐出现了低潮，人们偏爱宏大华丽的音乐，如华格纳（WAGNER）、马勒（MAHLER）的音乐。在整个浪漫主义音乐时期，使吉他重振雄风的人物是西班牙的泰雷加（TARREGA），他被誉为吉他上的肖邦，他的作品是真正的吉他音乐。把其神髓发挥得淋漓尽致。而且善于改编适合吉他演奏的名曲，其贡献不论在艺术或技术方面都给后世带来深远的影响。由于他的演奏和教学具有划时代的意义，古享有“现代吉他之父”的美誉。

《阿尔汗不拉宫的回忆》（Recuredos de la Alhambra)是作曲家为了纪念法国画家阿尔费雷•哥登(Alfred Cottin)而作，是泰雷加最为人耳熟能详的作品。阿尔汗不拉宫是西班牙的历史性建筑，亦是旅游胜地。乐曲极其发挥论指技巧的魅力，此曲是吉他演奏者及爱好者最喜爱的曲目之一。 阿尔班尼兹(Albenniz)，葛拉那多斯(Granados)和法雅(Falla)三个作曲家的名字代表了西班牙音乐国际化的诞生。他们都用其独特的方法把西班牙民歌元素带进音乐厅舞台。 阿尔班尼兹是钢琴家兼作曲家，毕生以宏扬西班牙民族音乐而努力奋斗。因此他的作品虽是钢琴曲，却大多偏向吉他的思源，而返回编成吉他曲，则比钢琴更具效果。葛拉那多斯亦沿着这脉络，创作一系列的西班牙舞曲，但他的作品则较少西班牙的味道。因为他创作的灵感主要源自昔日马德里贵族的音乐，而非安达路西亚的民间歌舞。法雅最为人所知的就是他的芭蕾舞曲，如《爱情如魔术》。

他在1920年前的创作有很浓郁的安达路西传统，他早年在法国学习，并受印象主义的影响。回国后，他成为西班牙首屈一指的二十世纪作曲家，善于把安达路西勇锐的节奏与印象派丰富隐约的色彩融合。《西班牙舞曲》（Danzaespanola)源自他早年成名的歌剧《短促的人生》（La vida Breve)中的第一幕。 在吉他艺术史上，罗德里哥（Rodrigo）的两首吉他协奏曲《阿兰胡埃斯协奏曲》（Conceirto de Aranjuez）和《为某绅士而作的幻想曲》（Fantasia para ur Grentihombre）证明了吉他的多种性能和它的丰富表现力，并解决了以往吉他与管弦乐队之间的协调问题。 阿兰胡埃斯是马德里南部的一个小镇，亦是罗德里哥与妻子度蜜月的地方。乐曲充分发挥吉他技巧的多种可能性，旋律优美而富幻想性，而且还有象竖琴和钢琴般的美妙效果。乐曲的第一章明快活泼，由一个简单和弦开始，续而发展趁发展成一个明朗的进行曲节奏，虽然期间偶然被其他主题介入，但整体上乐曲洋溢了无拘无束，绚丽灿烂的活力。

正如罗德里哥本人所说：如果任我想象，我会为一种海市蜃楼式的乐器谱曲的，这种乐器具有吉他的灵魂，大钢琴的外形和竖琴的翅膀。毫无疑问，罗伯士（Villa-Lobos）是南美吉他音乐其中一名最重要的作曲家。除了大提琴外，罗氏一直刻意拒绝接受正统的音乐训练。他走遍巴西每一个角落，与民间音乐家学习，吸收各地不同的传统。这对于他后来的创作有很大影响，他声称自己的旋律源自人民的心灵，是真正的民间音乐。?罗伯士的前奏曲原有六套（第六套在出版时遗失），是作曲家献给妻子的作品。第一首沿用A-B-A的形式结构，A部分是一段哀伤的巴西民歌，B部分则带来强烈的节奏和高度技巧的表现。 巴里奥斯（Barrios Mangore）是巴拉圭的天才吉他演奏家及作曲家，亦是把民歌元素融入古典吉他音乐的先锋之一。他1901年在阿根廷的演出受到极大欢迎，之后十四年他走遍南美巡回表演，他亦是第一位在1901年灌录唱片的古典吉他演奏家。可惜，现时只有一部分作品遗留下来。 罗路（Lauro）是委内瑞拉首屈一指的吉他作曲家。他原本在音乐学院学习钢琴 ，听了巴里奥斯的演奏之后便决定一生创作吉他音乐。华尔兹（Valse）的灵感源自二十世纪初其他作曲家创作的华尔兹舞曲，罗路亦想在吉他上创作同类的音乐。当然，这首乐曲渗入了不少委内瑞拉民间舞蹈音乐特色。