旧作一篇,为浮生等网友讨论绘画而贴。
《梵高与数码照相机》
最近市场上卖一款数码照相机,Olympus D-425,一百五十元。属于高级傻瓜照像机,像素、数码变焦等等性能都很不错。对于热心写作、音乐、等等文艺而非专精摄影的人很值得买一个,小巧可以放在上衣口袋里,万一遗失也不太心痛。
去年中国美术家协会主席在报纸上劝年青人学国画,理由之一就是“框上绘画”已没什么前途可奔,西画特别是油画其起源和目标是写实,后来被摄影替代,加上近五年来数据摄影的飞速发展,若说还要追求写实的视觉艺术,油画确实没什么搞头了。
在所有艺术形式中摄影是偏向“工艺美术”的。艺术贵于原创性,任何艺术必须是美的才能成为艺术品,而且必须是表达感情的精神产品。就这些方面来说摄影是个原创性很受限制的艺术形式,弄得不好就成了“有工无艺的艺术品”。近来数码摄影技术发展迅速,更有可能把“爱好者”拖向有工无艺的深渊。成为技术产品而远离了艺术。
上世纪三十年代巴黎国际油画展览上颜文梁的“厨房”得了大奖。原作和十四英寸的像片相似,颜文梁是徐悲鸿一代的画家,他的“厨房”在七十年前会让人震惊,因为那年代没任何其他的艺术和技术能表现出,一个苏州三十年代富裕之家的生活状态,那样具体那样有情趣那样生动,折射出当时鱼米之乡的生活节奏。使人联想到只有张爱玲笔下才有的生动。如今我们要用数码摄影表现这样的生活题材,可以更为细腻,更为准确,更容易变换色调。但是这也让我们更为困惑,因为原创性的空间更为狭窄了,表达精神和感情的才能被高深的技术淹没了。如不配上诗词就失去了作品的艺术倾诉导向。
摄影是视觉艺术,任何视觉艺术并不是视网膜上的图像再现,而是大脑理解了事物的形象再现。这个简单的道理可以说明儿童画为什么那样令专业画家惊喜,为什么马梯斯说他一辈子追求的就是“画得不会画”,也就是齐白石说的“似与不似之间”才是最高境界。从这点来说;傻瓜数码相机加上图像处理软件正好满足这个要求。
我不知道你有没有注意过儿童绘画,年龄越小的画得越简炼,简炼不是简单。人的头画得大大的,手五个指头一个不少,眼睛鼻子耳朵嘴巴都交待得清楚,身体和腿就可能只画一条线。年龄到了六七岁,画的人就穿上了衣服,裙子还不会忘记涂上喜爱的颜色。如果画了鞋绝对会画上鞋带,手臂,腿还是不成比例过于简单。仔细一想这些儿童画,正是人的身体在大脑皮层的投影,面部和手占很大的部位。为甚麽要画鞋带呢,因为那个年令学会了绑紧鞋带是件大事件。所以儿童是用“心”作画,而成人常常是用眼睛和手作画的。
儿童爱唱歌,但重视旋律不重视歌词。如果你是个粗心的爸爸,跟着他们哼西洋儿歌,错了节奏和调门他们必定要你更正,但他们自己吐词不清是理所当然的不必计较的。这是因为儿童天生懂得音乐的灵魂首先是旋律,不是附加在音乐上面的语言词句。称赞艺术家返朴归真是个很高的荣誉,其实就是走向童贞,丢去成长过程混来的世俗气,包括那些为生存斗争学会的理性的,逻辑的思维痕迹,这痕迹成了表达感情的屏障。
数码技术让电视银幕越来越清晰,近距离的人像真是毛发可数。数码相机象素不断升高,变焦镜头光圈和变焦比也不断攀升。一张肖像可以占用1000K以上的记忆容量。可是你知不知道,如果你要请画家给你画张油画肖像,你想把你的最得意的像片给画家参考,用E-mail发张像片给画家,这样的像片要多好才合格呢?只要30-50K的记忆容量就足够了。画家需要的是“形和神”,并不需要数清楚你有几根头发。
你如果对市场上印刷的油画复制品有些观察,对音乐书店卖的唱片有所了解,抛开流行时髦的不算,传统的艺术品中,莫扎特的作品销售是第一位,绘画印刷品中莫乃和梵高的占最多,而且梵高的作品常常是自己也画画的顾客选购的。
一个文学艺术品的价值和格调高低,可以有很多不同的判断角度,可是作品在历史长河中生命的长短,受到喜爱的多寡大约是最重要的判断标准之一。
普灵斯顿大学教艺术史的一位教授说在近代画家中,也许没有任何人比梵高更潦倒,更有才能,更对当今西方社会的审美习惯有影响的了。
莫乃的风景画为今天的世人接受喜爱,是很好理解的。形象写实,色彩漂亮,笔触又比古典的写实主义更加挥洒更具画意。梵高就有点怪了,他的人物肖像绝对都不能选去做今天电视上的模特,他的风景色彩都比现实强烈,强烈到不怎麽像真实看到的景象。连他画的静物、室内一角都强烈的在倾叙什么感情的语言,这语言既是文学词汇的又不是文学词汇的。说它是文学词汇是因为有着丰富的文学内涵,人是用词汇思维的。说它不是文学词汇的是因为都是确确实实的色彩和线条构成的绘画语言,是用词汇不能说清楚的一种视觉的感情联系,真实而且坚实的蕴藏在绘画里。
如果你不把摄影和绘画分家,都视为视觉艺术,那么你得再回到梵高绘画上去。它会告诉你怎么用视觉形象的语言去表达感情,表达心中的画面,而不是眼睛视网膜上的投影。这样你就从技术走向了艺术,不再是制作有工无艺的工艺品了。
数据相机和Photoshop等图像处理软件让我们更接近了梵高,也让我们更困惑于发现原创性的艺术语言,但毕竟是有了新的创作空间。数码摄影根本上改变了彩色摄影的概念。
梵高所以成为艺术史上的巨人,因为他潦倒,还继续在潦倒中自说自话的叙述真实的心中感情。当然也有毕卡索那样活着风光死后继续出名的大师,那是少数的幸运儿。
形与色是绘画的基本元素,如果说中国画在运用书法下的形和黑白对比的处理上,是审美的一个登峰造极。那麽只到西方印象派油画出现,在绘画史上才真正的开辟了色彩的新纪元,这是因为绘画根本上不是为的表现酷像一个真实的实在之物,而是要表现人的心中理解的事物,一个有着个人特定感情的事物。而作为后印象派的画家梵高,他把笔触(有点和中国国画的书法相似)色彩变成了音乐中的音色、和声和节奏谱下了自己心中的旋律,这旋律是来自观察外界事物所产生的感情,来自于生活而又高于生活的。
- Re: 梵高与数码照相机posted on 08/04/2007
还是问题:为什么说“数码摄影根本上改变了彩色摄影的概念”?Film的创作空间也很大的呀,构图方面是一样的,色彩上面有滤色镜,暗房技术,不是说Photoshop就是数码摄影的暗房么?我觉着区别是数码技术便宜,可以拥有的人更多了。 - Re: 答浮生问posted on 08/04/2007
那是因为你没有实际玩过彩色胶片的冲洗放大,彩色胶片的调节与数码影像的电脑调节,就如珠算和电脑相比很相似,功能和技巧上是不在同样的等级上的。我在1967年得到一批试验室刚到期的彩色胶片和显象材料,玩过(文革时试验室停用了的)知道可以操作的空间有多少。还有PHOTOSHOP7.5,的功能也是得摸索一下才可能知道它的全部功能的。 - Re: 梵高与数码照相机posted on 08/04/2007
要说数码相机再处理,我倒知道许多专业的画家都使用电脑,外装一
个Pad,然后用Photoshop,翻腾叠搭,浓妆淡沫,也出来得经典。
在Pad上面直接作画。
曾经听过一个讲座,讲者就用这种方法作画,还设计了一套美国邮票
---食肉植物,画得都很自然,精工设计。
Photoshop能摆弄的东西确实多,就是电脑用多了伤眼睛。
- posted on 08/04/2007
巴佬 wrote:
旧作一篇,为浮生等网友讨论绘画而贴。
西画特别是油画其起源和目标是写实,后来被摄影替代,加上近五年来数据摄影的飞速发展,若说还要追求写实的视觉艺术,油画确实没什么搞头了。
以上说法太简单化,也不符合历史.照相术的发明有一个多世纪了.写实的油画风格并没有因此消失.印象派及各现代流派的兴起也未必就是照相术的出现所造成的.
莫乃的风景画为今天的世人接受喜爱,是很好理解的。形象写实,色彩漂亮,笔触又比古典的写实主义更加挥洒更具画意。
他以前的古典写实主义作品相比, 莫乃的画完未必就"形象写实,色彩漂亮".至于他的笔触是否"更加挥洒更具画意",甚至什么是"挥洒","画意", 显然就更见仁见智了.
梵高就有点怪了,他的人物肖像绝对都不能选去做今天电视上的模特,他的风景色彩都比现实强烈,强烈到不怎麽像真实看到的景象。连他画的静物、室内一角都强烈的在倾叙什么感情的语言,这语言既是文学词汇的又不是文学词汇的。说它是文学词汇是因为有着丰富的文学内涵,人是用词汇思维的。说它不是文学词汇的是因为都是确确实实的色彩和线条构成的绘画语言,是用词汇不能说清楚的一种视觉的感情联系,真实而且坚实的蕴藏在绘画里。
如果你不把摄影和绘画分家,都视为视觉艺术,那么你得再回到梵高绘画上去。它会告诉你怎么用视觉形象的语言去表达感情,表达心中的画面,而不是眼睛视网膜上的投影。这样你就从技术走向了艺术,不再是制作有工无艺的工艺品了。
梵高以前的大多数人物肖像也未必能选做模特(往往是画家的
patron或宫廷人物). 用绘画表达感情决非始于梵高.历来各种艺术形式都有表达感情的目的和功能.梵高所表达的感情更抽象罢了.
梵高所以成为艺术史上的巨人,因为他潦倒,还继续在潦倒中自说自话的叙述真实的心中感情。当然也有毕卡索那样活着风光死后继续出名的大师,那是少数的幸运儿。
潦倒可能让人同情,但却不会让人成为艺术史上的巨人.我相信有很多比梵高更潦倒,并且也自说自话的画家,他们却没有成为巨人.让梵高成为巨人的是他独特的风格.
形与色是绘画的基本元素,如果说中国画在运用书法下的形和黑白对比的处理上,是审美的一个登峰造极。那麽只到西方印象派油画出现,在绘画史上才真正的开辟了色彩的新纪元,这是因为绘画根本上不是为的表现酷像一个真实的实在之物,而是要表现人的心中理解的事物,一个有着个人特定感情的事物。而作为印象派的画家梵高,他把笔触(有点和中国国画的书法相似)色彩变成了音乐中的音色、和声和节奏谱下了自己心中的旋律,这旋律是来自观察外界事物所产生的感情,来自于生活而又高于生活的。
难道印象派,梵高之前的绘画就只表现"酷像一个真实的实在之物",就不表现"人的心中理解的事物,一个有着个人特定感情的事物"吗?从最原始的洞穴壁画开始,到早期宗教画,到各种现代流派,人类从事艺术活动历来就是为了表现外界事物在他们心中的反映和由此引起的感情的. 不是吗? 印象派只不过用一种新的形式来达到这个目的罢了.莫奈刻意表现不同条件下的光的效果,不也是在追求"酷像一个真实的实在"吗? - posted on 08/04/2007
答Guanzhong:
美术家协会主席尚谊劝年青人学国画的原话我没读过,下面一段话是上海新民晚报刊载的:
“去年中国美术家协会主席在报纸上劝年青人学国画,理由之一就是“框上绘画”已没什么前途可奔,西画特别是油画其起源和目标是写实,后来被摄影替代,加上近五年来数据摄影的飞速发展,若说还要追求写实的视觉艺术,油画确实没什么搞头了。”
靳尚谊是杰出的写实主义油画家,1955年入苏联专家马克西莫夫油画训练班学习。我想他对“框上绘画”的历史应该是清楚的,他说:“西画特别是油画其起源和目标是写实,后来被摄影替代,”这句话是绘画理论界的习惯说法。
著名英国美术史家Michael Levey写的《A History of Western Art》London ,1970.第七章中说“我们根据作品对外部世界逼真描述的程度来评判艺术,也许,这就是十九世纪大多数人所采用的标准。”“致使绘画在十九世纪经常陷入纯粹的图解。”
Guanzhong说:“以上说法太简单化”是对的,但基本合符历史。至于“照相术的发明有一个多世纪了.写实的油画风格并没有因此消失.”也是事实,而且再过100年我想写实主义的绘画也不会消失的,但未必会流行。艺术风格或者文学风格只有随时代变迁,不同时代流行不同风格,也无所谓那种风格比另一种风格高明。各种风格之间很少可比性。
Guanzhong说:
“用绘画表达感情决非始于梵·高.历来各种艺术形式都有表达感情的目的和功能.梵·高所表达的感情更抽象罢了.”
这话我同意。
艺术品的标准首先是美,第二个条件就是必须是真实感情的表现。第三必须是精神的创造物。所以用绘画表达感情从来是艺术家所追求的目的。不但绘画,摄影也是如此,完全写实的摄影也在表达艺术家的感情,所以才有特定的取景,采光,构图,视角等等,以强调艺术家要表达的感情。
梵·高所表达的感情并不抽象,而是更为急迫,梵·高的画是一个为了保持自己心智健全而战斗的人的作品。“试图保持其真实性”他在写到自己的艺术时说:“也许这是在与疾病斗争的一种药物…….”他的画就象他的书信一样流畅,有他自己称为“如同带斑点的玻璃之效果”的强烈色彩。
我这篇短文是根据前年在浙大座谈会即兴演讲时的录音整理的,强调的主题是:
“这是因为绘画根本上不是为的表现酷像一个真实的实在之物,而是要表现人的心中理解的事物,一个有着个人特定感情的事物。”,绘画必须要 “叙述真实的心中感情”。
当然潦倒与成功没有直接关系,潦倒了“还继续在潦倒中自说自话的叙述真实的心中感情”才可能形成自己的独特风格,才可能成功的。
- posted on 08/04/2007
"......那麽只到西方印象派油画出现,在绘画史上才真正的开辟了色彩的新纪元,这是因为绘画根本上不是为的表现酷像一个真实的实在之物,而是要表现人的心中理解的事物,一个有着个人特定感情的事物。"
我的主要观点是不同意过分强调印象派绘画的意义.这是十九世纪末艺术上的一个潮流,它的意义在于,与几百年来的传统相比,产生了一种新的风格.而不在于是否"酷像一个真实的实在之物",更不在于是否表现"有着个人特定感情的事物". 字面上"印象(impression)"是强调客观真实事物在观察者心中的印象,印象派也追求"酷像",方式不同罢了.莫奈不厌其烦地反复画不同光线下的草垛,追求的是"酷像"的效果,也没有半点个人特定感情可言.
其实,如果想要强调的是不追求表现客观真实,只追求内心感情表达的绘画风格,应该提到的是后来的表现主义(expressionism)和超现实主义(surrealism)等更前卫的流派,这些可以看成是与文学上意识流等手法相呼应的二十世纪新思潮的代表.但如果认为只有这种绘画才符合了"不是为的表现酷像一个真实的实在之物,而是要表现人的心中理解的事物",才“叙述真实的心中感情”,就太偏颇了.
- Re: 梵高与数码照相机posted on 08/05/2007
你何以能够断定莫奈追求的是"酷像"的效果,没有半点个人特定感情可言?
- Re: 梵高与数码照相机posted on 08/05/2007
他长期反复地画不同时间季节里的草垛, 追求的不就是准确表现不同光线的效果吗? 难道他对那些草跺有什么"个人特定感情"吗?不会是他年轻时和女友在那里荒唐过吧?:-) - posted on 08/05/2007
"......那麽只到西方印象派油画出现,在绘画史上才真正的开辟了色彩的新纪元,这是因为绘画根本上不是为的表现酷像一个真实的实在之物,而是要表现人的心中理解的事物,一个有着个人特定感情的事物。"
这句话指的是印象派绘画“光”和“色彩”成为这个世界的中心,也是画家认识世界的中心,所以画家的任务也就在于如何去表现光和色彩的效果。
绘画自16世纪威尼斯画派起就关注光和色彩的描绘,尤其是提香,尔后经鲁本斯、委拉斯开兹、伦勃朗、哈尔斯和维米尔,在他们的作品中都闪耀着迷人的色彩,尤其是善于描绘阳光的维米尔,他曾描绘过充满阳光的房间,可谓印象派的先驱者;英国风景画大师透纳和康斯太勃尔画中充满阳光和空气,使法国的德拉克洛瓦如获至宝,他在自己的画中就已竭力表现过,人们称他是“打开印象主义天窗”的画家;巴比松画派的画家已经将自己的画架移到室外大自然中去对景写生,为印象主义画家开了先河;库尔贝的画中已经充满了阳光,有人称他是“印象派之父”,在所有这些大师们的探索成就之上,必然产生印象主义画派。1874年在巴黎的闹市区举办了震惊画坛的“无名艺术家、油画家、雕塑家、版画家协会”展览。在这次画展中展出莫奈的一幅风景画,题名《印象·日出》。有位叫勒罗瓦的作家发表了一篇小品文评论这次展览,题为“一次印象主义的展览”。“印象派”由此而得名。
印象派画家还认为:画家要认识这个世界,主要是从“光”和“色彩”的观点上去认识,“光”和“色彩”既然成为这个世界的中心,也是画家认识世界的中心,所以画家的任务也就在于如何去表现光和色彩的效果。
所以从某种角度上可以说印象派绘画开辟了色彩的新纪元。
任何真正的艺术品(尤其是绘画和音乐)都是表现艺术家心中的意境,而这个意境是象征着艺术家面对它时,主观的特定的感情和情绪的。
艺术家追求的不是停留在意境对“真实的实在之物”的再现,而是寻找与欣赏者的感情交流和共鸣。这就是为什么通常说艺术品的主要功能是感情的表达,其次才是观念的表达。
莫奈画不同光线下的草垛,表现不同光线下效果的“目的”,不是停留在"酷像"真实的实在之物上,而是某种光线下草垛形象给观察者的情绪和感情联想。(当然爱做荒唐事的欣赏者尽可去想象荒唐事,农家,画家,诗人各人可以有自己的感情联想)作品给欣赏者联想越丰富,其艺术内涵也就越深奥。
- posted on 08/05/2007
回巴佬,其实黑白胶片冲洗我也只弄过几次,很小儿科的。我是看那些用胶片的摄影家的作品猜的。
是不是可以这样理解:胶片摄影由于后期处理技术上的限制,作品只能以写实为基础。计算机实际上是提供了新的绘画媒介(pixel),颜料和画具(photoshop等等的软件,和鼠标,pad一类的input device)。比如动画很早就开始用计算机画了。有了数码相机后(其实有了scanner后就可以了),可以用计算机画画的方法处理照片,随心所欲,使得摄影与绘画的界限彻底模糊。
这样说来,计算机画+数码摄影应当可以和“框上绘画”并存的吧?
- posted on 08/05/2007
巴佬 wrote:
"......那麽只到西方印象派油画出现,在绘画史上才真正的开辟了色彩的新纪元,这是因为绘画根本上不是为的表现酷像一个真实的实在之物,而是要表现人的心中理解的事物,一个有着个人特定感情的事物。"
这句话指的是印象派绘画“光”和“色彩”成为这个世界的中心,也是画家认识世界的中心,所以画家的任务也就在于如何去表现光和色彩的效果。
绘画自16世纪威尼斯画派起就关注光和色彩的描绘,尤其是提香,尔后经鲁本斯、委拉斯开兹、伦勃朗、哈尔斯和维米尔,在他们的作品中都闪耀着迷人的色彩,尤其是善于描绘阳光的维米尔,他曾描绘过充满阳光的房间,可谓印象派的先驱者;英国风景画大师透纳和康斯太勃尔画中充满阳光和空气,使法国的德拉克洛瓦如获至宝,他在自己的画中就已竭力表现过,人们称他是“打开印象主义天窗”的画家;巴比松画派的画家已经将自己的画架移到室外大自然中去对景写生,为印象主义画家开了先河;库尔贝的画中已经充满了阳光,有人称他是“印象派之父”,在所有这些大师们的探索成就之上,必然产生印象主义画派。1874年在巴黎的闹市区举办了震惊画坛的“无名艺术家、油画家、雕塑家、版画家协会”展览。在这次画展中展出莫奈的一幅风景画,题名《印象·日出》。有位叫勒罗瓦的作家发表了一篇小品文评论这次展览,题为“一次印象主义的展览”。“印象派”由此而得名。
印象派画家还认为:画家要认识这个世界,主要是从“光”和“色彩”的观点上去认识,“光”和“色彩”既然成为这个世界的中心,也是画家认识世界的中心,所以画家的任务也就在于如何去表现光和色彩的效果。
所以从某种角度上可以说印象派绘画开辟了色彩的新纪元。
任何真正的艺术品(尤其是绘画和音乐)都是表现艺术家心中的意境,而这个意境是象征着艺术家面对它时,主观的特定的感情和情绪的。
艺术家追求的不是停留在意境对“真实的实在之物”的再现,而是寻找与欣赏者的感情交流和共鸣。这就是为什么通常说艺术品的主要功能是感情的表达,其次才是观念的表达。
你长篇引用印象派的历史,想说明什么问题呢?他们强调光和色彩的使用,但这与你说的"绘画根本上不是为的表现酷像一个真实的实在之物,而是要表现人的心中理解的事物,一个有着个人特定感情的事物"有什么逻辑联系?印象派以前的画家也用光和色彩,也不仅仅停留在实在之物的再现,也在他们的作品中表达感情,也追求与观众的交流和共鸣,不是吗?
你反复强调"艺术品的主要功能是感情的表达",可是我们对这个观点并没有争议.但我所要强调的是,这个观点决不是印象派首创的,表达感情是人类从事艺术活动之初就有的动机.
莫奈画不同光线下的草垛,表现不同光线下效果的“目的”,不是停留在"酷像"真实的实在之物上,而是某种光线下草垛形象给观察者的情绪和感情联想。(当然爱做荒唐事的欣赏者尽可去想象荒唐事,农家,画家,诗人各人可以有自己的感情联想)作品给欣赏者联想越丰富,其艺术内涵也就越深奥。
真的吗?他告诉你了?:-)
莫奈想通过干草垛给观察者什么样的"情绪和感情联想"? 我想象力有限,干草垛引起你的什么想象了吗?(BTW,不想象荒唐事的观察者就从不做荒唐事吗?:-) )
当年毛泽东在图画课上画了个圆,这个图形有数学,哲学,美学,科学,工程等多方面的丰富内涵,可能给人以各种联想,不觉得比干草垛更丰富深奥些吗? :-)
顺便说说,你所说的"作为印象派的画家梵高"很不确切.梵高的画更多地表达抒发个人的情绪, 风格与印象派主流如莫奈截然不同.他不是印象派(impressionsim),而属于后印象派(post-impressionism).事实上,梵高更经常地被认为是后来的表现主义(expressionsim)的先驱.
- Re: 答浮生问posted on 08/05/2007
浮生 wrote:
有了数码相机后(其实有了scanner后就可以了),可以用计算机画画的方法处理照片,随心所欲,使得摄影与绘画的界限彻底模糊。
这事我常干,增加对比度色彩饱和度,结果经常下手太狠,人脸变红了,天变紫了,现在明白了,原来我也是印象派!:-) - posted on 08/05/2007
我要强调的是印象派扑捉“一瞬间”的光和色的变化,为的不仅仅是表现酷像一个真实的实在之物,而是这种光色的趣味和感觉,也即情绪和感情,
马奈说:“色彩是一种趣味和感觉,例如,总需要表现一些东西,否则艺术也就无望了,……情感也就无法表达了。” 选自《罗丹艺术论》
同样莫罗说:“只有表达自然的艺术家的作品才长存不朽,不是模仿自然,而是表达对自然的感受,他们把对色彩的富有想象力的使用方法运用到他们的作品中。”――选自《世界美术》
莫奈说:“那时,我画了一些敢草堆……一天我发现我在作画的光线有了变化,我对我继妻的女儿说:‘到屋里去,把另一块画布给我拿来!她把画布拿给我,但过了一忽儿光线又变化了,’再拿一块!还要再拿一块!在每块布上作画,只在达到我所要表达的效果时我才罢休,否则不能够表达我心中的情绪和感受,这是不难理解的。”
我想,干草堆给欣赏者的情绪和感情联想,也就是与莫奈当时画画“一瞬间”有关的的情绪感受。不需要和毛泽东或者荒唐事挂钩。
另外谢谢你指正“梵·高是后期印象派”。我的原文此处是不准确的。
- posted on 08/05/2007
巴佬 wrote:
...我想,干草堆给欣赏者的情绪和感情联想,也就是与莫奈当时画画“一瞬间”有关的的情绪感受。不需要和毛泽东或者荒唐事挂钩。
很有意思的话题,干脆再展开聊聊. 画家想要表达的情绪和观看者所感受到的情绪不一定是一回事吧. 莫奈画画时可以感受到“一瞬间"的光线变化所引起的情绪, 但看画的观众看不到一瞬间的光线变化, 似乎很难体会由此而来的情绪. 推而广之, 各种现代绘画流派的观众们看画时可能产生五花八门的情绪,(在画廊里看到一个厕所里的小便器,各位会什么产生什么样的情绪? 偷窥男厕所? 还是想尿尿?) 而这些情绪大概跟作者创作时的情绪没有太大关系. 欣赏古典绘画时不大会出现这种问题.
毛泽东和荒唐事只是玩笑而已, 不必介意.
另外谢谢你指正“梵·高是后期印象派”。我的原文此处是不准确的。
"冷战后期"和"后冷战时期"是不相同的(post-cold war era,是这样翻译的吧?) 关于印象派也是如此. 不好意思, 我太叫真了! :-)
- posted on 08/05/2007
Guanzhong:很高兴和你聊艺术欣赏,你的见解很有意思。
Aaron Copland1957年写的《What to Listen for in Music》说:“从某种意义上说,我们全是在三种阶段上倾听音乐的。由于缺乏恰当的术语,不妨把这三个阶段称为:(1)美感阶段;(2)表达阶段;(3)纯音乐阶段。把欣赏过程機械地分为这三个阶段,唯一的好处是可以对对倾听的方式有个比较清楚的概念。”
我想这个叙述也蛮适合对绘画的欣赏:
(1)美感阶段;(2)表达阶段;(3)纯绘画阶段;
粗糙地说可以把美感阶段,看成“赏心悦目”中的“阅目”,表达阶段就是“赏心”,纯绘画阶段是美学哲理的思辩,和绘画技巧上的探讨。
Aaron Copland又说音乐允许欣赏者“想象”或者“情绪联想”,但必须是来自音乐,是与作品有关的。
我以为绘画也是这样。欣赏者的感情共鸣,必须是由于作品直接表达的信息所产生的,是与作品“有关”的,但并非一定是画家当初那“一瞬间”的感情或者情绪所完全能够涵盖包容的。
Aaron Copland举了个例子;巴哈《平均律钢琴曲集》中的48个主题一个个接着听,很快就会感到不同的情绪,你还会意识到主题愈动听,就愈难找到能够使你完全满意的言词来描叙它。Copland又说柴可夫斯基的乐曲比贝多芬的乐曲容易“理解”些,因为它的涵义明确些,当你每次听柴可夫斯基的一首乐曲,它总是向你叙述同一件事,而贝多芬不是这样的。任何音乐家都会告诉你,这就是为什么说贝多芬是更伟大的音乐家。
所以欣赏者的情绪或者感情联想,第一必须与作品“有关”,第二必须是作品的“内涵”所能够包容的(但不是艺术家当时“一瞬间”的情绪所完全能够涵盖的)。换句话说作品的内涵大于作者“一瞬间”的感情。
现代绘画流派我了解不多,如果观众产生的“这些情绪大概跟作者创作时的情绪没有太大关系”,那么,大约也会与作品本身的“内涵”没多少关系了。
- Re: 梵高与数码照相机posted on 08/05/2007
this is a nice discussion line.
good read. - posted on 08/06/2007
巴佬的这篇文章很令人费解, 我试图理解其中心意思, 但是仍不得要领. 而且感到其中一些问题值得讨论和澄清
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数据相机和Photoshop等图像处理软件让我们更接近了梵高, 也让我们更困惑于发现原创性的艺术语言,但毕竟是有了新的创作空间.
我不知道这个观点的真正意义何在? 是在告诉我们数据相机和Photoshop现在也可以创作出具有梵高水平和梵高的后印象派风格的画的吗? 言外之意, 作为艺术工具, 数据相机和Photoshop可以和画笔,画刀一样, 创造出伟大的作品? 我觉得它们都是艺术家的工具, 使用它们进行创作的关系是平行的, 都可以创作出伟大的作品. 就象电影和话剧一样. 有伟大的电影, 也有优秀的话剧. 所以, 我没有搞清楚巴佬谈论这一点的意义何在? 但这似乎又是此篇的中心观点.
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(数据摄影的飞速发展),若说还要追求写实的视觉艺术,油画确实没什么搞头了
巴佬借用他人的话, 并没有明确说清楚是反对这样的观点还是赞同. 我只是根据上下文, 感到似乎巴佬也同意这样的判断. 我对这样的判断有所保留. 也许未来证明这个判断是对的. 但是现实的经验告诉我不是这样. 现实主义的绘画经过100多年的冲击, 依然在生存,只是不作为主流被欣赏. 但是, 绘画有这个表达现实的能力,为什么不用它? 就因为我们有了另外一个数字工具就不用它了吗? 我觉得绘画和摄影就象我上面说的,是平行关系, 也就象话剧, 不会因为电影似乎更真实再现现实而退出历史舞台一样. 看话局的欣赏话剧, 看电影的欣赏电影. 再说更实际的例子, 比如有一个高超的摄影家和一个优秀的画家都各自创作了guanzhong的肖像. 两幅作品都把体格健美,肌肉发达,骑着战马的guanzhong逼真地表现出来了. 我请问我自己, 巴佬, guanzhong本人, 浮生和xw, 如果我们只能选其中一幅的guanzhong肖像来收藏,你们选谁的作品, 摄影家的还是画家的? 我想, 这是一个no brainer的问题. 我们当然都会选择画家的那一幅. 这说明了什么? 说明了我们value画家的作品高于摄影家的作品. 再更一步问, 为什么我们认为绘画的价值高于摄影的价值? 这就很难解释了. 但是, 我想用这个我们每个人作出的选择的事实作为例子, 来质疑巴佬(引用他人)所说的, 由于数据摄影写实的油画没有搞头了的判断.
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就这些方面来说摄影是个原创性很受限制的艺术形式,
这个论点刚开始让我很费解. 原创性一般是指创作中的东西出自自己, 没有借用其他人的东西. 和绘画, 小说, 诗歌一样, 摄影作品的原创性取决于创作者本人. 为什么说摄影是个原创性很受限制的艺术形式? 读巴佬的下一段关于三十年代巴黎国际油画展览上颜文梁的“厨房”的叙述,似乎让我理解了他的原创性的概念其实是使用工具的原始性. 如果我理解正确的话, 他想说的是人的手工的原始创作能力. 使用画笔, 画刀创作具有原始性, 使用毛笔, 钢笔写作具有原始性. 使用数字工具没有原始性, 使用电脑写作没有原始性. 不管我们叫它原创还是原始, 我对巴佬的观点的困惑是为什么使用一些非传统的创作工具, 表达精神和感情的才能会被这些高深的技术淹没了? 小提琴非常难拉, 从技术上讲很高深, 没有人会认为高深的技能会影响小提琴演奏的艺术表达.
我还有一些其他不解的地方. 不过也许以上几点讨论清楚了,关其他问题也就清楚了. 欢迎巴佬和其他人帮我澄清和解释.
巴佬 wrote:
旧作一篇,为浮生等网友讨论绘画而贴。
《梵高与数码照相机》
最近市场上卖一款数码照相机,Olympus D-425,一百五十元。属于高级傻瓜照像机,像素、数码变焦等等性能都很不错。对于热心写作、音乐、等等文艺而非专精摄影的人很值得买一个,小巧可以放在上衣口袋里,万一遗失也不太心痛。 - posted on 08/06/2007
通过巴佬和guanzhong的讨论,我想我知道巴佬想表达的是什么了,原文既然是即兴发言,有聊天的意思,本不可能严谨的。st dude的例子倒让我有了另一个问题,guanzhong的肖像,我肯定是要画的,不难解释,因为独此一份,摄影作品理论上随便印的。所以到底什么是艺术品的价值呢?这是不是也是为什么摄影有时被看的比绘画“低”呢?说摄影的原创性,我想从大师的作品里我们不难看到美感,表达,以至纯摄影各个阶段,虽然起点是一个光学镜头摄入的“真实”。从艺术表达上,我觉着摄影并不逊于绘画,不同的表达媒介而已。但摄影作品在收藏家的眼里价值超不过绘画,有多少是艺术价值,有多少是商业价值呢?或者,不可复制本身是艺术价值的必要条件?复制包括别人可以复制和自身可以复制。比如博物馆里只会收藏手工地毯,不会收藏机织地毯,即便图案设计同样精美古老。摄影家能做到的只能是限制印数,如同油画复制品的限量一样。计算机绘画或绘画与摄影的综合也会有同样的问题,无论作品本身是否杰作。
- posted on 08/07/2007
答st dude 问:
我想,你对我短文的问题可以归纳为以下三点:
一, 何谓“更接近了梵 · 高”?
二, 何谓“原创性艺术语言”?
三, “若说追求写实的视觉艺术,油画确实没什么搞头?”此话何解?
我得先说明一下,《梵·高与数码照相机》是我参加在浙大绘画班师生座谈会上,应邀即兴的发言,后来根据录音整理的,所以文字是不严格和全面的。由于在座的都对绘画史有所了解,谈话就比较简短。发言的起因是看见,学生们似乎个个都有数码相机。
在回答你的问题前,我想先得说说什么是“艺术的创作”,因为我们谈到了摄影和绘画两个不同的艺术类别,而且讨论的是艺术的欣赏及价值判断。
不同科目的艺术家他们都在做着同一件事,这就是创造意境。画家、音乐家、文学家、戏剧表演家都是如此。
意境是什么呢?就是一个由物资媒介(如颜色、声音等等)组成的“具有生命力”的有机整体,其结构和运动轨迹无不同艺术家的感情和心绪(通常简称感情)相对应,从而具有那种感情和心绪的表现性。它是作为一种虚幻维度的形式存在的,活在欣赏者的感受之中。它有维度但不能够进入,也不能衡量。在进行中,但不增长或者消失,所以它是意境不是实境。创作过程就是把艺术家主观的感情或者心绪转化为客观可看见听见的的形式。就是中国古典美学中说的“使情成体”。
“原创性艺术语言”此处指的是,艺术创作活动中创造性的语言。比如肖邦的音乐基本结构是有伴奏的旋律,其魅力来自那无穷无尽的灵感源泉,肖邦的旋律从中变化而来。有时一支曲调配以简单的和弦,通常带有不为前人所知的厚实间隔;有时伴奏是舞蹈节奏,但有微秒的变化。这就使肖邦成为了“最具旋律天赋的古典音乐作曲家”。(此处“原创性”并非指“不是复制别人,而是自己创作的。”,指的是“创造性的”)
意境是创造出来的,“枯藤老树昏鸦,小桥流水人家”你可以说,这枯藤、老树、昏鸦都是原先存在的。但是诗人挑选了的,还有草丛、石头、农田、农妇等等被舍弃了。为的是衬托“断肠人在天涯”的意境。
如果这意境让画家来表现,画家也不会画上所有看见的东西,会选择适当的色调表现萧瑟的气氛,会把并不时时刻刻都在视野里的“昏鸦”放在构图里。也许还会强调“西风、瘦马”。
如果摄影家来表现这意境,那他也会在采光、构图等等上有所创造。但是他的创造空间就比画家少多了。这就是一般的说,绘画比摄影有更多的“原创性艺术语言”的可能性。这也就是我理解的为什么浮生说:“guanzhong的肖像,我肯定是要画的。”
何谓“更接近了梵 · 高”?
原文的意思是指梵 · 高对色彩的创造性运用。梵 · 高在艺术中最突出的特点是,抛弃了印象派直观地,视觉对光色的审查,而发掘了内心情绪对色彩的表达要求和能力,就此与高更等画家开拓了后印象主义。
“若说追求写实的视觉艺术,油画确实没什么搞头?”此话何解?此处是指的现实主义绘画曾经以追求“表达酷象现实的真实之物”为目的。油画如果停留在仅仅为表现酷象真的,在今天就没什么长处了。
- posted on 08/07/2007
guanzhong的肖像的摄影和绘画的例子是一个非常狭隘的例子, 可能不是很好的例子. 我同意你说的, 就纯艺术价值来说, 它们是等价的. 这个例子只能说明物以稀为贵, 不同的收藏价值掩盖了真正的等同的艺术价值. 我本意只想用它对摄影的写实和绘画的写实做硬碰硬(head to head )的比较, 从中说明写实的绘画艺术没有死, 也死不了. 也许我选用下面的这幅手法写实风格非常现实主义的画可能更能说明问题. 从更广泛的意义上说, 我们必须要澄清艺术的写实和非艺术的记实不是一回事. 什么东西上升为艺术, 即使是写实的艺术, 它仍然是艺术, 和记实不一样. 数码相机再精确, 它的产物可以根本不是艺术 (当然它可以产生艺术作品). 关键不在工具, 而在风格. 写实手法和现实主义的风格并没有死, 不管是昨天的现代派的出现, 前天的印象派的出现. 而且, 不知道你注意没有, 现实主义的作品在任何艺术博物馆中都站一席之地. 其实, 现实主义的作品. 我个人觉得,当和其它风格结合起来后, 还是很有魅力的. 浪漫现实主义就是一例. (一些现实主义的讽刺作品也很有魅力).
下面这幅悬挂在芝加哥艺术学院博物馆(The Art Institute of Chicago)的这幅著名的Grant Wood的现实主义的画, 可能是美国最著名的画了. 去过这家博物馆的人都知道, 它收藏的印象派作品和现代派作品没有其他任何一家可以和它相比. 可是, 这幅表现地方本土特色的现实主义的画”American Gothic”在里面站有非常重要的地位.
American Gothic by Grant Wood
浮生 wrote:
通过巴佬和guanzhong的讨论,我想我知道巴佬想表达的是什么了,原文既然是即兴发言,有聊天的意思,本不可能严谨的。st dude的例子倒让我有了另一个问题,guanzhong的肖像,我肯定是要画的,不难解释,因为独此一份,摄影作品理论上随便印的。所以到底什么是艺术品的价值呢?这是不是也是为什么摄影有时被看的比绘画“低”呢?说摄影的原创性,我想从大师的作品里我们不难看到美感,表达,以至纯摄影各个阶段,虽然起点是一个光学镜头摄入的“真实”。从艺术表达上,我觉着摄影并不逊于绘画,不同的表达媒介而已。但摄影作品在收藏家的眼里价值超不过绘画,有多少是艺术价值,有多少是商业价值呢?或者,不可复制本身是艺术价值的必要条件?复制包括别人可以复制和自身可以复制。比如博物馆里只会收藏手工地毯,不会收藏机织地毯,即便图案设计同样精美古老。摄影家能做到的只能是限制印数,如同油画复制品的限量一样。计算机绘画或绘画与摄影的综合也会有同样的问题,无论作品本身是否杰作。 - posted on 08/07/2007
谢巴佬的进一步解释.
一,何谓“更接近了梵 · 高”?同意你对梵高的解释. 我对后期印象派用本能选择颜色做画非常理解. 所以对你对"接近梵高"的看法没有任何困难.
二,何谓“原创性艺术语言”?通过你的解释, 我能理解明你的概念. 我想我也完全同意这种概念对艺术创作的解释. 印象派(后期)以至抽象派画家们在创作中之所以抛弃容易的真实的对象,似乎可能就是在试图进入这种 "原创性艺术语言"的语言状态, 这种语言状态更直接地和内在精神的追求相联系,从而更直接地创造艺术. 而音乐家天生就在这个状态中, 因为音乐本身就是语言. 这也许可以说明了为什么在所有的艺术形式中(音乐, 绘画, 摄影, 建筑, 舞蹈...等), 我对音乐和音乐家最崇拜.
不过, 我仍不理解也不同意你说的"绘画比摄影有更多的“原创性艺术语言”的可能性". 不知道你对photoshop了解多少, 我知道很少. 但是, 我知道它是一个非常powerful 的工具, 非常powerful 的艺术工具,如果你用它来搞艺术创作的话. 据说世界上没有几个人真正充分掌握和运用这个工具的. 往往是会用的不懂艺术(没有artistic sense), 懂艺术的不会用或者用不好. 也许这种状况导致你的这种判断.
三,“若说追求写实的视觉艺术,油画确实没什么搞头?”如果你是你所解释的这个意思, 我没有不同的看法了.
另外, 你是用了中国艺术美学的概念"意境"解释了艺术的本质. 在这个cafe, 大部分人也是用这个"意境"说理解古今中外所有的作品包括我们cafe自己的诗人的作品. 我觉得尽管王国维有深刻的论述, "意境"和"境界"本身由于它们出自于宗教,被借用到艺术理论中, 是非常复杂甚至神秘的. 用意境解释艺术的本质, 在我看来是一个复杂而神秘的东西(艺术)由另一个更复杂的东西(意境)来解释.不知你是否有同感?
巴佬 wrote:
答st dude 问:
我想,你对我短文的问题可以归纳为以下三点:
一, 何谓“更接近了梵 · 高”?
二, 何谓“原创性艺术语言”?
三, “若说追求写实的视觉艺术,油画确实没什么搞头?”此话何解? - posted on 08/07/2007
答st dude 问:
“我仍不理解也不同意你说的"绘画比摄影有更多的“原创性艺术语言”的可能性". 不知道你对photoshop了解多少?”
我是在2001年春买了数码相机后接触PHOTOSHOP的,我的一位病人是搞广告设计的,从他那里学习了些。这几年处理图像的软件又有很大进步,所以应该说我掌握的只是一部分。但是,我认识两位艺术家,一位是很会用PHOTOSHOP颇有名气的抽象画家,另一位是年青的学过电脑美术设计,建筑设计家。所以在“道听途说”中以为,就是有了很powerful的电脑软件,仍旧不可能让摄影具有绘画那样的“原创性艺术语言”的可能性。
比如电脑可以轻易的表现中国水墨画在宣纸上的渗透感觉,可以表现油画笔触的颗粒性感觉,可以表现实物的体积感,重量感。
但是电脑不可能表现中国画的书法韵味。电脑不容易表达,画家独具个性的色彩感。这种几乎是来自才气或者“妙手偶得之”的灵感效果,还是绘画所长,但这些在视觉艺术中又是很重要的审美价值的元素。
但是,我知道画家他们现在是“两条腿走路”电脑和画布同时开工,相互弥补,据说是很有帮助。也减少材料和劳力的浪费。
我想你对新技术的希盼是对的,将来(也许现在已经是了)摄影会用得如同画布与颜料那麽得心运手,那麽摄影也就不是今天这个面貌了。任何艺术家的灵感都能够及时表达在影像上了。
“用意境解释艺术的本质, 在我看来是一个复杂而神秘的东西(艺术)由另一个更复杂的东西(意境)来解释.不知你是否有同感?”
用意境解释艺术就是“境界说”。这在先秦至两汉文献里就有“境”的概念,自魏晋佛学大兴以来“境界”一词才流行起来。王国维的《人间词话》提出“词以境界为上”是1910年,就此把‘境界’作为根本性的中心概念来讨论创作和欣赏问题。这是王国维的一大贡献,是他长期思考融合中西(主要是德国)哲学,美学结出的果实。
近代著名美学家,哲学家宗白华,方东美,朱光潜,冯友兰都对境界说有贡献。他们大都不是着意在佛家对“境”的概念上(比如“五境”“独影境”“性境”“带质境”),来诠释艺术品或者创作和欣赏问题的。所以也并不很神秘。
中国绝大多艺术家,文艺理论家都认为“心”的作用的发挥离不开“心”对外物的感应。所以“感应说”发展到“意境”或者“境界说”就是当今美学的大的理论框架。大家都把美的达到,看作是进入一种精神的境界或者实现一种精神境界。
在我看来,境界是人生的意义与价值在人们生活中的呈现。只是冯友兰提出的四个境界中最高境界“天地境界”明显的带有抽象空想和神秘的性质吧。
- posted on 08/07/2007
浮生 wrote:似乎太武断了嘛.摄影能的话大概也只能与某一类绘画如写实的界限模糊.因为摄影是成像,没有实物便没像可成.没有摄影作品是不存在的东西,即使是重叠剪拼光色处理过.而即便是经典实物为题材的绘画,画面的内容也可能是创造出来的.
比如动画很早就开始用计算机画了。有了数码相机后(其实有了scanner后就可以了),可以用计算机画画的方法处理照片,随心所欲,使得摄影与绘画的界限彻底模糊。
比如这幅山水画(The Heart of Andes),是作者(Frederic Edwin Church )游历归来,凭印象和想像画的,南美的Andes山脉可能并找不到这样一个景.如果今天他也可以用相片鼓捣出另一幅作品.但不一定能代替他想画的那一幅.
好光色的摄影作品是抓拍来或辛苦等来的,暗室技术或软件处理技术能锦上添花,但不能无中生有.绘画作品则是画出来的,百分之百的创造. - posted on 08/07/2007
再谢巴佬, 越讨论越清楚.
"意境"和艺术本质是题外话了, 而且是很大的话题. 你提的这些人, 王国维,宗白华,方东美,朱光潜,冯友兰, 大部分人的观点我不熟悉. 但是, 既然他们是在一个哲学理念下研究艺术, 我把他们看成一脉相承. 他们以及影响他们的书本华, 过分强调内心和现实的一种直接体验, 体验过程是一种升华, 一种对理智和感官的超越. 既然理智和感官在艺术创作和欣赏中没有了,彻底丢掉了, 摆脱了, 艺术创作和欣赏本身就成为神秘的宗教体验. 说白了, 他们都是在把艺术宗教化, 神秘化. 所以, 我对用意境解释艺术本质的有保留的一面. 太难理解. 当然, 大家平时在评价一个作品时随便用意境说说, 表达一种情景向交, 大家都能大致理解其意.
巴佬 wrote:
近代著名美学家,哲学家宗白华,方东美,朱光潜,冯友兰都对境界说有贡献。他们大都不是着意在佛家对“境”的概念上(比如“五境”“独影境”“性境”“带质境”),来诠释艺术品或者创作和欣赏问题的。所以也并不很神秘。
中国绝大多艺术家,文艺理论家都认为“心”的作用的发挥离不开“心”对外物的感应。所以“感应说”发展到“意境”或者“境界说”就是当今美学的大的理论框架。大家都把美的达到,看作是进入一种精神的境界或者实现一种精神境界。
在我看来,境界是人生的意义与价值在人们生活中的呈现。只是冯友兰提出的四个境界中最高境界“天地境界”明显的带有抽象空想和神秘的性质吧。
- posted on 08/07/2007
我觉得你对摄影有点太武断了. 要是哪怕10年前你这样说还可以. 现在的图象处理软件工具完全可以无中生有, 不仅仅是锦上添花.
原则上, 画笔画刀能做到了, 现在使用键盘鼠标也可以做到. 关键是看你本事. 图象处理软件工具象photoshop潜力无穷.
rzp wrote:
似乎太武断了嘛.摄影能的话大概也只能与某一类绘画如写实的界限模糊.因为摄影是成像,没有实物便没像可成.没有摄影作品是不存在的东西,即使是重叠剪拼光色处理过.而即便是经典实物为题材的绘画,画面的内容也可能是创造出来的.
比如这幅山水画(The Heart of Andes),是作者
好光色的摄影作品是抓拍来或辛苦等来的,暗室技术或软件处理技术能锦上添花,但不能无中生有.绘画作品则是画出来的,百分之百的创造. - posted on 08/08/2007
是这样啊,看来得好好玩玩photoshop才行。但即使键盘鼠标也可以做到画笔画刀能做到,只可惜自己屏幕上看见的,也不能保证他人的屏幕看到一样的光色,更别说他人的打印机。自己配套的打印机,印出来的质感也是视觉效果而已,还要考虑纸张的经久保存问题。不知是否可以直接印在画布上。……
st dude wrote:
我觉得你对摄影有点太武断了. 要是哪怕10年前你这样说还可以. 现在的图象处理软件工具完全可以无中生有, 不仅仅是锦上添花.
原则上, 画笔画刀能做到了, 现在使用键盘鼠标也可以做到. 关键是看你本事. 图象处理软件工具象photoshop潜力无穷.
rzp wrote:
似乎太武断了嘛.摄影能的话大概也只能与某一类绘画如写实的界限模糊.因为摄影是成像,没有实物便没像可成.没有摄影作品是不存在的东西,即使是重叠剪拼光色处理过.而即便是经典实物为题材的绘画,画面的内容也可能是创造出来的.
比如这幅山水画(The Heart of Andes),是作者
好光色的摄影作品是抓拍来或辛苦等来的,暗室技术或软件处理技术能锦上添花,但不能无中生有.绘画作品则是画出来的,百分之百的创造. - posted on 08/08/2007
我最近刚开始学摄影,看的书还没消化,先倒点出来。摄影艺术的主要特点大致有以下几点:
1。真实
一般认为摄影能真实表达世界,其实不是的。首先摄影不能描述事件的过程,不能叙述前因后果,只能给出一点线索。照片也只能摄取物体在特定光线下,特定角度的影像。所以照片只是个 symbol,不是真实世界的反映。
2。细节
摄影与绘画相比,最大的优点是能很容易地在一瞬间纪录大量的细节。照相机能保存我们眼睛平常不注意,甚至根本不可能看到的细节。这一点要充分利用,这是摄影成为一门跟绘画不同的艺术的一个关键。简言之,买好相机:)。
3。取景
取景就是创作。比如你把两个人从一群人中间框出来,他们俩在你的照片就产生了联系,这两人本来在人群中是没有关系的,这个联系就艺术创作。通过取景,摄影师能创造出真实世界中完全不存在的东西。
4。视角
摄影常常从我们意想不到的角度观察事物,给我们常见的事物以全新的感受。比如从底部往上照花卉,从屋顶往下照婚礼。
5。等我再看两本书再说:) - posted on 08/08/2007
不一定是photoshop, 可能还有一些其他的digital painting 软件工具. 看看这些不是用传统的画笔画刀创作出来的digital油画, 它们都可以直接印在画布上.
下面一副是digital创作, 另一幅是传统创作
rzp wrote:
是这样啊,看来得好好玩玩photoshop才行。但即使键盘鼠标也可以做到画笔画刀能做到,只可惜自己屏幕上看见的,也不能保证他人的屏幕看到一样的光色,更别说他人的打印机。自己配套的打印机,印出来的质感也是视觉效果而已,还要考虑纸张的经久保存问题。不知是否可以直接印在画布上。……
- Re: 答浮生问posted on 08/09/2007
st dude wrote:
不一定是photoshop, 可能还有一些其他的digital painting 软件工具. 看看这些不是用传统的画笔画刀创作出来的digital油画, 它们都可以直接印在画布上.
有没有分辨率高的文件,或在哪可以看到印好的作品? - Re: 答浮生问posted on 08/10/2007
online gallery 多如牛毛. 实际的画廊也有一些. 最好的办法是在网上查一查你附近的画廊, 看看它们中哪些有数字绘画, 然后亲临观看.
rzp wrote:
有没有分辨率高的文件,或在哪可以看到印好的作品?
- posted on 08/11/2007
是有查过,没有看到想看的。可能是用词不当。今天又用digital painting查了查,学到点新东西。多谢。
一直认为计算机处理图像跟绘画不等比,计算机画图理论上是行得通,而且有可逆性和没有非线性步骤的限制,就像机器作曲一样原则上可行,实际上有无穷长的learning curve,美好理想一个而已,而且(只能)在影视业实现了的理想。
前不久印了一幅图到许多瓷砖上,先给他们一张黑白手画的,他们回来的效果图不错,又给了他们一张彩色高分辩率的相片,结果给我过滤后就跟粗躁的计算机作图。网上看到的,印出来的也是类似,便以为是印刷技术班配有限。
Giclée印刷出来的仍然没有质地感,通常要加上一些手工画笔来“以假乱真”。继续学习去了……
st dude wrote:
online gallery 多如牛毛. 实际的画廊也有一些. 最好的办法是在网上查一查你附近的画廊, 看看它们中哪些有数字绘画, 然后亲临观看.
rzp wrote:
有没有分辨率高的文件,或在哪可以看到印好的作品? - posted on 08/20/2007
1. 想看 Digital painting 的,到 youtube 上看看这位用电脑直接来画 Mona Lisa:
http://www.youtube.com/watch?v=uk2sPl_Z7ZU
2.
传统的艺术品中,莫扎特的作品销售是第一位
柴可夫斯基的作品销量是所有“古典音乐”作品销量的40%,最多。
3.
任何真正的艺术品(尤其是绘画和音乐)都是表现艺术家心中的意境,而这个意境是象征着艺术家面对它时,主观的特定的感情和情绪的。艺术家追求的不是停留在意境对“真实的实在之物”的再现,而是寻找与欣赏者的感情交流和共鸣。这就是为什么通常说艺术品的主要功能是感情的表达,其次才是观念的表达。
Aaron Copland1957年写的《What to Listen for in Music》说:“从某种意义上说,我们全是在三种阶段上倾听音乐的。由于缺乏恰当的术语,不妨把这三个阶段称为:(1)美感阶段;(2)表达阶段;(3)纯音乐阶段。把欣赏过程機械地分为这三个阶段,唯一的好处是可以对对倾听的方式有个比较清楚的概念。”
我想这个叙述也蛮适合对绘画的欣赏:
(1)美感阶段;(2)表达阶段;(3)纯绘画阶段;
粗糙地说可以把美感阶段,看成“赏心悦目”中的“阅目”,表达阶段就是“赏心”,纯绘画阶段是美学哲理的思辩,和绘画技巧上的探讨。
高兴也有人读过 Copland 的 What to Listen for in Music。
我也不同意说艺术家“寻找与欣赏者的感情交流和共鸣”,“艺术品的主要功能是感情的表达,其次才是观念的表达”。Stravinsky 的音乐是观念的表达,寻找的是与欣赏者的理念上的共鸣,没有感情的意境。(据说他最不喜欢吃牛扒一类又浓又稠的菜肴, 也是因为他受不了 mushiness)。
Copland 说的纯音乐(绘画)阶段,我认为就是超越感情之上了。不如说“艺术家寻找与欣赏者的意念交流和共鸣”比较贴切。西方音乐来讲,只有浪漫主义时代的作曲家才迫切需要表达自己的感情。
4.
为什么我们认为绘画的价值高于摄影的价值?
一幅摄影作品可以无穷复制,绘画作品却不能复制,所以绘画作品价值更高,我在哪里也读过的,不记得是谁了,好象是 Bernard Russell or Borges。讲得挺好,可惜现在一时找不到原文。
5.
自己配套的打印机,印出来的质感也是视觉效果而已,还要考虑纸张的经久保存问题。不知是否可以直接印在画布上。……
我见到街上有卖的,大幅画布上的照片,跟油画一样,但卖画的人不告诉我是在哪里印的。 - Re: 梵高与数码照相机posted on 08/20/2007
very cool and interesting video.
阿姗 wrote:
1. 想看 Digital painting 的,到 youtube 上看看这位用电脑直接来画 Mona Lisa:
http://www.youtube.com/watch?v=uk2sPl_Z7ZU
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